擷取聲音的情感空間 – Nils Frahm

Nils Frahm身為一個德國鋼琴樂手，同時也擁有自己的錄音室，代表的是，關於錄音、擷取聲音的面向，他是相當有意識地認知到這方面的重要性，但這不只是僅僅紀錄捕捉聲音而已，他還深刻地了解聽眾的角色，如何去轉變聽眾的心境，留下腦海印象。錄音與聽眾，這之間的概念造就了感覺的經驗，更是Nils Frahm在2011年的專輯《Felt》獲得國際知名度的開始。

《Felt》專輯的緣由，其實是不想去打擾聽眾，而這聽眾就是他的鄰居。他用較厚的毛布包覆鋼琴的擊槌，溫和地彈奏，以及改造弱音踏板，才不會在晚上打擾到他人,但卻是這樣，他發現聲響被抑制的鋼琴音，是如此的特別細緻。但這只是其中一部分，Nils Frahm接著將麥克風貼近琴弦表面，試著捕捉這微弱、優雅的聲音，他利用錄音的技巧，將麥克風擷取聲音的敏感度調到極高，打個比喻，就像是聽覺被放大了很多倍，能夠接受到更大範圍、更細緻的聲音。而就是因為如此，可以聽到鋼琴聲響伴隨著許多環境音，木頭的碰撞聲，甚至是任何細微的摩擦聲，簡單地來說，聽到的是一團塊的空間聲音，粗糙卻細緻，有堅定的琴音，也有近似沉默的耳語。

重視聽眾與錄音態度，同時表明出Nils Frahm對現場演出與環境空間的重視，他說:「空間改變表演。表演總是被某些因素所決定，而就是觀眾、我當晚所使用的樂器、以及共振的空間，這就是風水。」台下的反應會影響到台上演奏者的表現，對他來說，演出是針對觀眾，而不是聚焦於樂譜或演奏者的自溺。Nils Frahm相當明白空間與建築，這共振的環境圍繞著我們，有著極大的影響力，所有事物在空間中，有韻律地振動，伴隨著能量。Nils Frahm利用這流動的能量，展現出他的即興技巧與風格。2013年的現場錄音專輯《Space》，就是由三十場表演中，挑選出錄音裡面，哪些為最佳的時刻、地點與氛圍，一張現場專輯，成為他過去歷年來專輯的縮影。

雖說Nils Frahm注重空間當下的即興靈感，但實際上，若要定位他的音樂風格，將會是一個不好歸類的例子。雖然有接受數年的古典樂訓練，他卻不專精於樂譜演奏；深受爵士樂的影響，卻未曾選擇系統的科班學習。他成長期間，因為身為攝影師的父親，被當代音樂指標ECM唱片採用照片，為許多專輯封面，讓他開始接觸許多當代音樂大師的作品，諸如極微主義的Arvo Pärt、世界音樂與融合爵士樂手Ralph Towner，然而爵士鋼琴大師Keith Jarrett的作品，更是他極為熟悉的對象，許多歌曲都能找到這些影子。但Nils Frahm的特殊角色，讓他不屬於任何音樂標籤，在古典鋼琴演奏會，他不彈奏莫札特，在爵士樂演奏中，他不彈標準曲，近年來，更可以看到Nils Frahm的名字出現在著名的獨立搖滾音樂祭場合中，但他卻覺得自己格格不入這種音樂祭的開放場合。 他的即興，本質上更是一種因地制宜的揉合，他的空間可以屬於古典樂的城堡、爵士樂的列車，或環境合成器的宇宙空間營造。他曾表示,他會受到獨立音樂的重視與關注，他覺得是由於他們共同擁有不妥協、自我創造與試圖想要影響聽眾的基本原則。他為空間與聽眾彈奏，姿意地調整他的即興，丈量即興空間的範圍與注入聽眾的感覺經驗。

Nils Frahm 第一本自選樂譜 “Sheets Eins"

Nils Frahm的表演就像是一場鋼琴鍵盤饗宴，他成痴地使用經典合成器，如德國電氣搖滾必備合成器Juno-60、融合爵士樂的經典合成器Fender Rhodes，以及基本的直立鋼琴與平台鋼琴，如此壯觀的陳列，聽眾不只能聽到經典合成器的絕妙音色之外，更可以貼近他是如何觸動聽眾的情緒，藉著細緻的聲響即興揉合，空間的營造，演奏者、聽眾與樂符，都栩栩如生的躍動著。